Colores navideños en "Thérèse rêvant", 1938 de Balthus

Hace unos días tengo terrible writer’s block y también un gatito nuevo que me mantienen convenientemente alejada de la redacción intencionada. Tal vez también el verano y las alberquitas/pelopinchos, la navidad calurosa, etc.

Pero escribí algunas cosas en éste tiempo sobre las que podría ampliar un poco:

• Sobre las expresiones musicales del net art alrededor de Ryder Ripps y su protegé Glass Popcorn, quien ahora es dueño del mejor diseño de tumblr ever cortesía de OKFocus, la compañía de full-service digital creada por Ripps y el creativo tecnológico Jonathan Vingiano. Ya trabajaron para Smirnoff, PS1 MoMA, M.I.A y Ssion. Seguimos esperando el primer mixtape de Glass titulado Deal With It.

• Sobre Stefani Joanne Angelina Germanotta aka Lady Gaga pronuncio mi admiración, menciono sus credenciales académicas y la opinión oldschool de Camille Paglia, fan de Madonna (ja!). Quiero agregarle a mi tabula gratulatoria, el nuevo video “Marry the Night“ enteramente dirigido por Gaga. Casi catorce minutos de gloria, Cinderella neoyorquina y reflexión.

• Contesté una entrevista para el  blog musical bonaerense Underama, que recién cumplió un año. Ya que están, lean la entrevista de Nico Yonki.

• Uno de mis amigos favoritos de twitter, Ouchal aka Alonso Ayala, empezó en Pachuca una revista-póster llamada Combo que me muero por recibir y repartir. Yo escribí un texto sobre no escribir y ser abusada, en la ascepción mexicana de la palabra. Click acá para leerlo.

• El mes pasado participé en “Gato Creador del Universo” -una muestra ideada por el artista Hemilio Vargas, quien escogió obra de sus colegas favoritos en Buenos Aires, Daniel Alva y Lucía Centurión. Fue una muestra-relámpago-mini-guerrilla montada dentro del taller del Programa de Artistas de la Universidad DiTella al que pertenecía Vargas, mientras en el edificio de enfrente se hacía la muestra semanal oficial de la Beca Kuitca. Todos estos marcos físicos y conceptuales superpuestos: artista reúne obra y la acción misma es obra (como Lamelas en MUNTREF);  la periferia física dentro de un marco institucional pero no en-mar-ca-ada;  la curaduría corrida de su tarea meramente electiva y utilizada como herramienta de sentido en un textito presumiblemente esclarecedor; todo resultó en un ejercicio productivo para los involucrados. Acá el texto.

Eso es todo, prometo una reseña de lo que vi recientemente por la ciudad y  un broche de oro para el año.

chau!

Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central, 1947-48 de Diego Rivera. (detalle)

La verdad es que he estado terriblemente asediada -más por mi ansiedad que por los trabajos académicos que tengo que entregar,  y es por eso que no he tenido tiempo de disfrutar muestras y hablar de ellas, o de escribir un par de cosas que tengo rondando en la menta hace un rato. También escribí un par de cosas para otros blogs amigos y para una revista que quizá salga pronto en México, mexiquito querido.

Así que por lo pronto los dejo con dos de las más interesantes entrevistas que he leído. Ambas de la revista VICE que a pesar de que a todos nos gusta decir que se ha venido a menos en su afán traductor y expansivo mundial, también es verdad que siguen publicando hermosas fotos de Ryan McGinley y excelentes entrevistas como éstas. Así que enjoy.

La primera es de Paul Virilio, teórico cultural, crítico de la velocidad y lo que él denomina la propaganda del progreso, que sumariza perfectamente en la frase “la invención del barco, fue la invención del hundimiento del barco”.

La otra es de Ray Kurzweil, teórico de la tecnología e inventor, que si tiene razón, somos todos inmortales y Facebook es sólo el principio y casi que me gusta.

That’s all,

chau!

“Colores pasteles y luminosidad penetrante en un entorno burgués y estetizado. La cuidadosa colocación de objetos cotidianos marcan diferentes perspectivas como planos de una fotografía. El gato blanco que nos da la espalda, Percy, es táctil y voluptuoso en el regazo del sujeto masculino reclinado en apático cool.”

Un análisis visual onda-brain-storming de la pintura de David Hockney. Lo hice durante el genial taller de escritura de arte Negro sobre Blanco, impartido por María Gainza en el Instituto DiTella. Teníamos que escribir la primera descripción que nos viniera a la mente y me explotó el cerebro del mejor modo posible. Es un ejercicio muy bueno, i loved it.

Un quick extra: “Notas sobre la Inteligencia Americana” de Alfonso Reyes, afamado intelectual regiomontano de la era pre-carne asada. El texto sobre el temperamento latinoamericano fue publicado  en la revista Sur en Buenos Aires, 1936. Good stuff.

“Esta es una recámara con muchas ventanas abiertas” enuncia el texto de la muestra hoy abierta en la galería porteña Ruth Benzacar, y realmente no está mintiendo. Max Gómez Canle abre de par en par las ventanas de su ‘recámara mental’ para dejar fluir dentro de su nueva serie la influencia explícita de los pintores que vinieron antes de él.

 Algunas de estas ventanas se asoman directamente sobre la imaginería de nombres conocidos del arte argentino, como Raúl Lozza -en esa obra con los recortes geométricos de paisajes que flotan sobre un exquisito bastidor de terciopelo violeta casi medieval- y definitivamente Roberto Aizenberg, cuyas geométricas, futuristas y babilónicas construcciones son citadas a través de pequeñas figuras que parecen haber sido manipuladas y simplificadas por algún juego de video ochentero.

La exposición se compone de un inteligente y gracioso grupete de paisajes de estilo y precisión renacentista que han sido intervenidos por la incisiva estética contemporánea del artista. Algunos tienen pequeños personajes geométricos en colores primarios, otro parecen haber sido atravesados por dos rayos metálicos cuando menos lo esperaban, otro más fue tomado presa por uno de esos prismas facetados y adiamantados que habitan tantos juegos de video y aún así se mantienen estoicos y elegantes dentro de esa galería subterránea.

Pequeñas perforaciones octagonales en uno de los muros, llevan la metáfora de la ventana a otro nivel. Estos orificios a la altura de la vista no conducen a otras imágenes, son más bien una representación física de un punto de fuga -aunque no se fugan a ningún lado y nos regalan una visión dentro del mismo muro-. Son un recordatorio elocuente de aquellas obsoletas reglas formales de la historia del arte.

Frente a estos hoyitos, descansa su majestuoso y agrandado complemento: un paisaje pintado exquisitamente sobre un soporte octagonal que funciona como base de una dorada y afilada pirámide -octagonal, por supuesto- que parece haber originado los hoyos previos. Este enigmático objeto, descansa horizontalmente sobre una base cubierta por el ya mencionado terciopelo violeta. Es una pieza realmente suntuosa, casi sensual, pero también tajante en su destreza técnica. Y como si hubiese un espejo que la reflejase en el medio de la sala, descansa en la esquina opuesta de ésta, un gemelo casi idéntico de este bello artefacto únicamente diferenciado por el paisaje que representa su base.

Dentro del universo de paisajes de estilo renacentista creado por Gómez Canle para esta muestra, destaca su sensibilidad contemporánea que sabe citar a artistas históricos mientras se permite añadirle el ingrediente ‘trash digital’ encarnado por la estética de el juego de Tetris tan presente en las producciones del artista. La obra que nos recibe en el primer piso de la exhibición son unas gafas metálicas color cobre cuyos espejuelos remiten a esos polígonos irregulares tan elegantes de Lozza, pero ilustrados con paisajes clásicos de la historia del arte. Casi como una advertencia o una instrucción, estas gafas aluden a la experiencia estética que se viene. Y de poder colocárnoslas, quizás podríamos fantasiosamente internarnos en la complejidad plástica y formal de este impecable artista argentino.

O la forma en la que decidí nombrar, sí, las dinámicas de representación/interpretación existentes entre dos exposiciones y yo, como mexicana adoptada y adaptada a la frontera neoleonesa and proud.

Primero, en la galería Ruth Benzacar expone el argentino Miguel Ángel Ríos, quien vive entre NY y la Ciudad de México. La exposición se titula Mecha, que es también el título de un video en dos canales que se expone como pieza central del conjunto, justo en el medio de la sala. El video aborda El Tejo, un juego colombiano tradicional y lo enmarca dentro de un recorte bélico, visualizado por un fotógrafo de guerra, fracturado y acelerado. Rodeado por el resto de la obra en exhibición, se deja ver en todas ellas el hilo de la violencia y sobre todo, de la violencia cotidiana, la peor de todas.

En el resto de las obras, distribuidas sin epígrafes -como acostumbra la galería-, se acumulan en cartones y papeles imágenes de armas, armas y armas todas delineadas con la cuidadosa perforación de alfileres o como papel picado extra-grande. Se mezclan con cerebros; armas, palabras y cerebros todos revueltos en esos materiales poco nobles y vistosos. Otro motivo es la perforación: con delicados alfileres sobre el cartón, con los perfectos circulitos de la perforadora sobre diarios y cerebros, con el calado en el papel y las palabras recortadas. Una lectura poco sofisticada nos deja desde ya, deducir  hacia dónde quiere dirijirse la intención de la obra y me permito reconocer a mi propio país dentro de la universalidad de esa violencia. Y sobre todo en el “tejido social deshilachado” -de Rossana Reguillo- que me hacen recordar.

Es perturbador como testigo y como heredera de esa violencia, advertir que los extranjeros también la viven y la representan. Hay un poco de recelo y escepticismo, no somos sólo nosotros que la reconocemos en su lado cotidiano, el que los medios no sencionalizan y recrean sino en el que se habla y se comenta todo el tiempo, todo el día, se hacen bromas, se lamenta y sobre todo se teme. Los extranjeros también saben representarla, y eso es un poco más horroroso.

Los cerebros perforados por caos de palabras, me hacen pensar también, en ese otro elemento de la ecuación violenta, convenientemente alejado de las recreaciones mediáticas avaladas, ese otro país que habita Miguel Ángel Ríos, un toque más al norte y con las manos recién lavadas de comprar droga y vender armas.

La construcción de la frontera como tierra de nadie bañada de sangre, es también una de tantas posibles. En otra exposición también abierta ahora en Buenos Aires, se muestra la visión de los habitantes de uno de los lados de esa frontera, íntimamente relacionados con los del otro lado. Arte Tejano de campos, barrios y fronteras en el espacio de arte de la Fundación OSDE -catálogo disponible acá- presenta serigrafías del Serie Project de Austin, Texas, donde artistas texanos (me gusta con X como México) plasman gráficamente un lenguaje artístico plagado de iconografía del panorama cultural texano. El curador Cesáreo Moreno describe “una sensibilidad más que una ideología codificada” y reconoce a la identidad texana como una “ligada a las tierras fronterizas en donde América Latina converge con los Estados Unidos de América” y que  es tan sólo una de las múltiples capas que componen la complejidad de los habitantes.

A través de núcleos temáticos, el curador construye una especie de relato del texanismo para el no-iniciado: Fronteras Movedizas, sobre aquellas batallas territoriales finalmente ganadas por Estados Unidos; Raíces entre Fronteras, Música Tejana, la Cultura del Campo, la Llegada a los Barrios; la más contemporánea Cultura de Resistencia, ilustrando las dificultades con el racismo y la homofobia; Cultura Popular Mexicana, la Vida Urbana con sus quinceañeras, boxeadores y sharpie-eyebrows; un Nuevo Mestizaje, sobre las uniones interraciales y las lenguas híbridas; Espiritualidad y la Identidad Indígena.

Más allá de la estructura narrativa y temática en la que se inscriben las numerosas serigrafías, es palpable la construcción romántica de la identidad  acorde a la lejanía de las raíces culturales propias. Ya sea por un alejamiento involuntario como en el caso de los chicanos e inmigrantes, donde quizá no es deseada la separación de la propia tierra, o un exilio amistoso y auto-impuesto como en mi propio caso. Estas construcciones se potencian -o al menos eso parece- cuando se trata de una identidad tan pregnante con costumbres y modelos de pensamiento tan idiosincráticos como la mexicana.

La pobreza y la violencia como factores causantes del extrañamiento, llevan a idealizar y construir símbolos conmovedores de los más cotidianos elementos de la cultura: los colores brillantes y tradiciones mortuorias, las comidas grasosas y expresiones pochas. Particularmente, la mezcolanza de costumbres y el intercambio/irrupción presentes en la frontera más caliente del mundo. Se extraña el spanglish tanto como los tacos de barbacoa y se padece la violencia doméstica desde una lejanía mental insoportable que la agudiza pero no la comprende ni la asimila.

Estas dos muestras de producciones artísticas en Buenos Aires, construyen a partir de dos puntos de vista completamente distintos -una con el ensañamiento en la furia del narco y otra narrando la identidad texana- una buena parte de la realidad mexicana o al menos la fronteriza. Las dos son construidas desde afuera, desde el extranjero, ya sea en la perspectiva o unos kilómetros más allá del Río Bravo. Ninguna la construye desde adentro, y eso es lo que más resuena dentro del exilio propio que como ellos, idealiza o exagera a partir de la separación dolorosa.

Sobre identidades y construcciones, por cierto, mi texana favorita nació en la Patagonia.

]]> http://gabycepeda.wordpress.com/2011/07/18/triangulo-mexicano-raro/feed/ 0 Gaby border braingun plataplomo tacodeojo muertis cholis http://gabycepeda.wordpress.com/2011/07/11/las-muestras-colectivas-o-%c2%bfpor-donde-empezar/ http://gabycepeda.wordpress.com/2011/07/11/las-muestras-colectivas-o-%c2%bfpor-donde-empezar/#comments Mon, 11 Jul 2011 21:30:01 +0000 Gaby http://gabycepeda.wordpress.com/?p=170 ]]> Hola de nuevo

Recientemente me vi en la necesidad de analizar con fines investigativos escolares, dos muestras colectivas bastante dispares. Una, el 100° Salón Nacional de Artes Visuales 2011 en la disciplina de Nuevos Soportes e Instalaciones -que evidentemente no ha existido desde la primera edición del Salón- y otra, Arte Argentino Actual en la Colección de Malba. Obras 1989 – 2010, en la que el Malba haciendo uso de una fingida inocencia nos enseña lo más destacado de sus adquisiciones recientes sin un discurso o relato dado, como quien no quiere la cosa. [Según Marcelo Pacheco, curador de la muestra, al final del segundo párrafo de su texto en el catálogo:

“La trama de sentido potencialmente dispuesta en el espacio expositivo es un acto de complicidad único entre la obra de arte y su observador. En ese estar en y con la obra nada importa: ni el artista, ni el curador, ni la institución. Un museo posibilita encuentros; no controla significados ni impone visiones de la realidad.” (PACHECO, Marcelo E. 2011: 11)

SAY WHAT!? Les juro que mis reflexiones, dudas y temores alrededor de los significados de este párrafo y el siguiente no me permiten dormir en paz ¿¡ENCUENTROS!? Pero lo dejaré de lado por esta ocasión ya que distrae del objetivo de este post. El énfasis en negritas es mío, por cierto.]

Esta muestra tengo que enmarcarla dentro de mi asignatura Relatos Curatoriales III, así que más o menos puedo suponer una línea de acción indagatoria mediante la cual trataré de conjeturar cómo integrará el Malba estas obras al discurso canónico de su colección permanente en un futuro cercano, y si la forma en la que fueron dispuestas en esta ocasión y los diálogos que construyen entre ellas pueden formar algo de eso. Bien ahí.

La del Salón Nacional, actualmente exhibida en el Palais de Glace, he de enmarcarla en mi asignatura Curadurías Expandidas, que tiende a enfocarse en la curaduría y construcción de relatos con obras expandidas ó principalmente de nuevos medios, instalaciones, performances (que ni tiene su propio Salón), o todas las anteriores. Pero, tratándose de una exposición colectiva, basada en la selección por mérito artístico atribuido a un grupo de artistas/producciones por un jurado variopinto, me parece que la idea de un relato, como construcción de diálogos pre-establecidos entre obras seleccionadas para construir dicho relato, se nos escapa de las manos. Suponiendo claro, que unos elementos de menor mérito no fueron incluidos con otros de mayor mérito simplemente porque potenciaban diálogos con éstos últimos. ¿En base a qué juzgarán mayor/menor mérito artístico? Está bueno recibir premios igual, ¿no? [Recién se me ocurren las relaciones de legitimación que se obtienen cuando los de menor se rozan con los de mayor en estos no-relatos que construyen los premios ¡Gracias blog!]

Es entonces, cuando enfrentada a las dos tareas, me topé con la cuestión: ¿Hay un elemento común a todas las exposiciones colectivas que facilite su análisis o al menos ayude a dilucidar su plena intención en el agrupamiento de obras de arte? ¿Responden todas a diferentes motivaciones curatoriales y he de partir de sus características intrínsecas si pretendo juzgarlas/valorarlas debidamente? ¿Es que no son todas culpables de un agrupamiento medio coercitivo, medio contingente de objetos artísticos? ¿O es que he fallado yo en comprender la delicadeza del je ne sais quoi que suele unir a estos valores simbólicos en los más complejos discursos? [¡Filistea!].

En mi corta experiencia, creo que todas las anteriores. Hay exposiciones grupales de todo tipo. Las que agrupan impunemente por tema, por franja temporaria, por meras características formales, porque tienen en común un mismo soporte, porque eran amigos, etc. Algunas construyen discursos curatoriales basándose en las más ejemplares investigaciones, otras construyen cualquiera basándose en meras observaciones superficiales, otras -divertidas- construyen discursos curatoriales basándose en las más ejemplares investigaciones que realmente no llevaron a ningún lado o visualmente no convencen a nadie. Igualmente, siempre hay algo de agrupamiento coercitivo/contingente dependiendo de quién lo mire y sobre todo cómo lo mire.

En algún punto de todo esto, está la exposición colectiva abierta hasta el 29 de Julio en el subsuelo de la galería porteña Ruth Benzacar. Titulada El Rayo Verde y curada por Solana Molina Viamonte, reúne obras recientes de seis artistas argentinos y un brasileño, entre los 29 y los 54 años: Nicolás Robbio, Iran do Espirito Santo, Jorge Macchi, Leopoldo Estol, Erica Bohm, Pablo Accinelli y Fabio Kacero.

Lo que interesa subrayar, es la dimensión del diálogo entre obras que logra la curadora con sólo un par de ellas. El espacio no es amplio y las obras son sólo siete; ésto sin duda logra potenciar las relaciones formales tan extremadamente sútiles que se disparan entre tres obras en particular: Shy (2008) de Macchi, Water Glass (2007) de Iran do Espirito Santo y Proyección de Luz sobre Pared (2009) de Robbio.

Water Glass y Shy

Comenzando por la obra de Macchi, titulada Shy, se trata de pequeñas hojas de papel adheridas a la pared que permiten con sus variados gramajes y transparencias, ver lo que hay debajo de ellas. Delineados directamente sobre la pared, están los renglones, cuadrados y sangrías tal y como aparecen en los cuadernos escolares. Si uno pasase delante de ellas sin levantarlas -yo tuve la suerte de tener un señor vigilante instructor- se perdería de la muy sútil dinámica dispuesta por el artista.

Shy de Jorge Macchi

Justo enfrente de esta obra, se encuentra Water Glass, una pequeña reproducción tridimensional a tamaño real de un vaso de agua repleto hasta el borde. Bajo una más cuidadosa inspección, permite esclarecer que es un juego de reflejos donde el agua no participa. Un trompe l’oeil de expectativas tan pequeñas y delicadas que en consecuencia resulta casi shockeante. Es más que linda e ingeniosa.

Water Glass

La tercera obra, en la pared perpendicular a la de Macchi, es igualmente bella y apacible, también es un juego de reflejos, pero uno que nos es más cotidiano. Se delinea sobre el muro la sombra de una persiana horizontal en un ángulo adicionado con cierta perspectiva. Comparte la sencillez con la obra previa, pero también comparte su juego de luz como un material posible. Invoca una versión austera de la compleja estética de Olafur Eliasson. El dispositivo responsable de ésta figura etérea, es un papel calado con la figura de la persiana sobre un proyector de la era pre-power-point colocado sobre el piso, sin duda estetizado por sus años de deposición, su presencia no resta. Humilde y obviamente, la obra se titula Proyección de Luz sobre Pared.

Este trío de obras denotan un esmero cuasi-preciosista en su agrupamiento, sus cualidades no formales son casi indescriptibles, son ciertamente elegantes pero de ninguna manera ostentosas. Minimalistas en su construcción pero no por eso menos expresivas y en el conjunto, ésto se potencia. Otra obra -de Pablo Accinelli- incluida amistosamente en la cercanía del grupete, se trata de un libro abierto por la mitad, la media circunferencia que dibujarían las hojas, fue aplastada por la media circunferencia de concreto que apisona al libro. Elocuente y graciosa, titulada Relación Interna, no se integra bien al meticuloso conjunto de las anteriores.

El resto de las obras -salvo una- se ahogan en su potencial al no disponer de un folleto de mano que explicite un poco más sobre ellas. Erica Bohm, comparte medio muro del fondo con Accinelli y sobre su mitad pintada de negro, dispuso un grupo de polaroids -de las panorámicas, caras- en una línea horizontal a la altura de la vista del espectador. Se titula The Red Book (Mars) y son instantáneas de planetas, se asume que tomadas de otras fotografías quizás en algún planetario. Al no tener más información e interpretar más o menos que se trata de un ejercicio de apropiación de otras imágenes, se continúa con el recorrido.

Una vitrina sujeta a la pared nos invita a asomarnos y ver que dentro hay un libro, se trata de un cuento de Fabio Kacero, titulado La Estación de Tren. Más allá de leer las dos páginas que están a la vista, no podemos intuir mucho más.

Alrededor de estas obras y como cerrando la muestra, cuelgan del techo tres sachets de yogurth vacíos y con su interior pintado de negro, balanceándose sobre tres taburetes de madera [?] Esta obra de Leopoldo Estol, se complementa con dos elementos, una foto en la pared de alguien mirando dentro de los oscuros sachets – lo hice, resultados predecibles- y una cajita de zapatos inocuamente colocada sobre un estante en una columna de la sala. Titulada Regalo, tiene al centro un agujero precario bastante incitante y al asomar un ojo, sorpresa total. Del otro lado nos recibe un ojo extraño que nos devuelve el espionaje y es hermoso. Pasan dos segundos más, y nos percatamos que es nuestro propio ojo admirándose así mismo en un espejo. Más alegría aún. Gracias, Leopoldo Estol, por el inesperado y breve regalo, de enamorarse de uno mismo por unos segundos como si fuera la primera vez. Este placer cierra la muestra satisfactoriamente.

Regalo de Leopoldo Estol

Más tarde, y después de ver la muestra y analizarla mental y obsesivamente. Leí en la web de Ruth Benzacar el texto de la curadora, que con el título críptico de la muestra -¿El Rayo Verde?- se sentía como una información necesaria que quizás tendría que convivir en algún muro de la muestra; aunque podría robarle intimidad a las delicadas obras. Como la curadora subraya, “(…) En algunas de ellas lo que ocurre es tan sencillo que corre el riesgo de pasar inadvertido.”

chau!

Esta es una reseña sobre la muestra de Pierrick Sorin que está abierta en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires [MAMBA] hasta el 23 de Julio y vale toda la pena del mundo ir a verla.

La escribí para clase, pero traté de ser amena [uh?], así que me tomo la libertad de ponerlo acá también. Lisa, la mejor compañera de clase puertorriqueña que alguien pueda desear, también escribió y posteó la suya a su nuevo blog: Metacultura, ella agregó además varios videos.

Pierrick, te quiero bien.

Pierrick et Jean Loup, 1994

Desde el momento en el que se cruza el umbral de la exposición de este artista francés, se puede suponer que no se encontrará ningún medio tradicional en el resto del recorrido. Se es bienvenido con una referencia visual a la plástica escultórica, pero es lo más cerca que se rozará a ese género de la tridimensionalidad. Se trata de una proyección de pintura de brillantes colores escurriendo sobre una pared que hace una referencia rayada a otro francés, Daniel Buren. (Hommage à Daniel Buren No.2) También es el primero de varios llamados que se harán a otras disciplinas del arte como la música, el teatro, la ópera, el cine y la pintura.

La exposición se compone de quince obras creadas entre 1999 y 2010, y es la segunda vez que Sorin visita el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, ahora en el marco de TANDEM París- Buenos Aires, un programa de intercambio cultural entre las dos ciudades. Como en su visita anterior, las obras incluyen cinco de sus teatros ópticos, pequeñas estructuras que desarrollan imágenes increíbles frente a nuestros ojos: hombres oscilando torpemente con el movimiento giratorio de un tocadiscos, un hombre exhibiendo sus mejores poses eróticas sobre un sofá de peluche felino, otro victimizado por un holograma de la moda y una banda de chicas muy sexies y sub-acuáticas. Este pequeño conjunto de dispositivos, -en los que el mismo Sorin hace todos los papeles masculinos- es realmente indescriptible. Fotografías, reseñas amigas y la explicación de la tecnología detrás de lo que vemos no comienzan a describir la sorpresa infantil que es pararse delante de ellos.

El hilo conductor de la producción de Sorin los atraviesa: el tejido de pequeñas tramas que le “toman el pelo” humorísticamente al espectador, la inteligencia para reírse de sí mismo y al mismo tiempo de la solemnidad de la obra de arte sin que la suya se convierta en un mero vehículo de esto y que en cambio abra muchísimas oportunidades creativas y narrativas.

En estos términos podemos incluir dos obras imprescindibles en la exposición, una es Pierrick et Jean Loup, una serie de cuatro cortometrajes que narran los ingeniosos y eufóricos encuentros de Pierrick y su hermano gemelo Jean-Loup, en los que inventan juegos para pasar la tarde, se convierten en músicos experimentales con enseres domésticos, juegan al fútbol y crean sus propios videojuegos. Hechos para la TV francesa en 1994, el modus operandi de Sorin, la autofilmación (él mismo interpreta a su hermano imaginario Jean-Loup), está presente en estas mininarrativas con un imaginario fresquísimo para el video-arte. Las ocurrencias del canchero Jean-Loup sobre sus capacidades artísticas, son más que un codazo en la barriga del rigor museístico.

Otra de las obras clave es sin duda C’est Mignon tout ça!, otra auto-filmación de 1993, donde Sorin nos cuenta que es un tipo solitario pero con ganas de cambiar y conocer a alguien, mientras la pantalla nos muestra su complejo sistema de auto-seducción. Sin más palabras, es una obra que por su corta duración y amplitud de significados merece la pena mirar más que leer.

Dentro de estas pequeñas e inteligentes narrativas cabe mencionar Nantes, Projets d’artistes. Un cortometraje de 26 minutos realizado por el artista a petición del gobierno de la ciudad de Nantes que le encargó la creación de un proyecto público. En lugar de eso, decidió filmar siete proyectos imaginarios concebidos por seis artistas europeos imaginarios -sumándose a sí mismo en el grupete- interpretados todos por él mismo .

A pesar de ser proyectos descabellados- el proyecto de una artista alemana genera arcoiris que surgen de la potencia de las ondas-positivas transmitidas por los ciudadanos de Nantes en sus conversaciones móviles; otro artista portugués propone proyectar intervenciones médicas en tiempo real sobre la fachada del Hospital de la ciudad – Sorin logra inyectarles algo de credibilidad con el léxico característico del mundillo del arte. A la vez carta de amor al arte contemporáneo hyper-tecnológico y reflexión crítica sobre el mismo, la elocuencia del formato televisivo elegido y la precisión de cada uno de los discursos forman la compleja operación auto-reflexiva del verdadero artista de la obra.

Sorin emplea la auto-filmación como lenguaje de sus ficciones y también como método de inclusión del espectador, quien puede reflejarse en la obsesividad de la repetición de la imagen del artista y encontrar sentidos diferentes abiertos a su propia interpretación, a partir de los contenidos tanto interesantes como divertidos.

La producción de Pierrick Sorin integra en flexibles cantidades: la reflexión sobre la creación artística, la auto-filmación como lenguaje artístico propio y el humor y la sexualidad pícara como ingredientes propios de su discurso ficticio, todo sobre los soportes de las tecnologías visuales: video, proyecciones y teatros ópticos. Esta combinación resulta en una de las producciones visuales más cautivadoras y verdaderamente entretenidas de la oferta contemporánea.

Imperdible.

chau!